LA BELLEZZA MALEDETTA DELLA MUSICA

Il declino di un paese in rapporto con l'industria culturale

La bellezza della musica è racchiusa in un sogno, un’illusione palpabile dei sensi che esalta, ritualizza e offre un senso artificiale alla realtà, ma questa stessa forza evocativa e questo afflato epico sono oggi i motori di una sofisticata industria culturale che ne ha fatto uno strumento di dominio.

Per un necessario distinguo : La musica tribale abita la dimensione dell'Essere: non è un oggetto da possedere, ma un evento organico a cui partecipare. In essa, il suono non si consuma, poiché non esiste distinzione tra spettatore e rito; o ci si è dentro o si è assenti. È l'anti-industria che non produce merci, ma trasformazioni interne, connettendo il corpo alla terra e alla comunità.

Al contrario, la musica contemporanea appartiene alla sfera dell'Avere. Ridotta a feticcio e merce, essa occupa lo spazio dell'anima per saturarlo, impedendo il sorgere di domande. La contemporaneità ha sequestrato il "fuoco" del ritmo tribale per trasformarlo nel motore di una catarsi di massa astratta e funzionale al consumo.

Distinguere queste due sponde è vitale: se il ritmo tribale è una trance liberatoria che risveglia la coscienza, quello dell'industria culturale è una trance anestetica. Quest'ultimo cattura il sistema nervoso per indurre una regressione dell'ascolto e disattivare il pensiero critico. Senza questa chiarezza, rischiamo di scambiare il battito vitale di una comunità con il metronomo di una prigione.

Da quando la musica è stata resa riproducibile per le masse, essa ha smesso di essere un’esperienza puramente trascendentale per diventare un mezzo capace di appagare e riempire un vuoto, favorendo un ambiente piacevole ma effimero che, come osservato da Adorno (Theodor Ludwig Wiesengrund Adorno (Francoforte sul Meno, 11 settembre 1903 – Visp, 6 agosto 1969, L'opera d'arte nell'epoca della sua riproducibilità tecnica) , agisce direttamente sul sistema nervoso bypassando il filtro della ragione.
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Questa potenza di trascinamento è tale che la musica sembra quasi far parte dell’anima stessa dell'ascoltatore, impedendo la nascita di una critica o di una profonda consapevolezza: è un dato di potere massiccio che non ha bisogno di argomentare, perché si limita a esistere e a travolgere.

Solo un accenno a Giacomo Leopardi che si colloca nel momento della scossa. È colui che strappa il velo dell'IlluSogno. Non ti offre la consolazione della tecnica, ma la solidarietà della "social catena": riconoscerci tutti fragili e tutti "eterni" o tutti "segni" uniti contro il finto ritmo del metronomo sociale. Leopardi vive proprio nel momento in cui questa mentalità diventa industriale. Anche se non vede lo smartphone, vede le prime macchine, vede il trionfo della scienza e del "giornalismo" (che lui derideva). Lui capisce che l'uomo sta smettendo di contemplare l'eterno per diventare un funzionario del progresso. Quando attacca le "magnifiche sorti e progressive" nella Ginestra, sta attaccando esattamente l'illusione tecnologica: l'idea che la scienza ci salverà dal nulla.

In questo scenario, la figura di Giacomo Leopardi si colloca come l'esatto opposto, l'antitesi radicale e il "nemico" logico di questa industria. Se la musica di massa usa l'amore per riempire il vuoto e anestetizzare il dolore, Leopardi usa il sentimento per scoperchiare l'abisso.

​Prima del cinema, la musica era libera di evocare mondi soggettivi. Oggi, la musica è spesso ancorata a un’immagine specifica.

​Se ascolti la Cavalcata delle Valchirie, è quasi impossibile non vedere gli elicotteri di Apocalypse Now.
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L'industria culturale ha capito che associando una melodia a un'immagine iconica, può "vendere" un'emozione preconfezionata. La musica perde la sua ambiguità per diventare un segnale pavloviano: senti un violino stridente e devi provare paura.

Oggi, questa illusione è ulteriormente arricchita e deformata dall’esperienza cinematografica, che ha cambiato i connotati originali del suono legandolo indissolubilmente all'immagine e trasformandolo in una didascalia emotiva standardizzata. In questa mutazione, persino le forme più antiche di aggregazione sonora, come la banda nelle feste patronali della devozione, finiscono per soccombere, ridotte a un’appendice anacronistica, un residuo folkloristico che non riesce più a competere con la perfezione del sogno artificiale.

Un tempo la banda era l'unico modo per portare la "Grande Musica" (l'opera, il sinfonismo) nelle piazze. Era un momento di democrazia estetica: il popolo partecipava a un'epica sonora dal vivo.
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Oggi, l'orecchio della massa è educato alla perfezione artificiale del digitale e del cinema.
​Rispetto alla potenza esplosiva e "pulita" di una colonna sonora cinematografica, il suono della banda appare povero, sgraziato, "ridotto". L'industria culturale ha alzato l'asticella della percezione a un livello tale che l'autenticità del fiato e dell'ottone sembra un difetto tecnico, non più un valore umano.

​Nelle feste patronali, la musica non serve più a invocare la divinità o a cementare la comunità nel rito.
​La banda diventa un reperto museale vivente: la si tiene perché "si è sempre fatto così", ma non la si ascolta più.
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È stata svuotata della sua funzione evocativa. Se un tempo la banda faceva tremare i vetri e i cuori, oggi è spesso coperta dal rumore dei venditori ambulanti più interessanti per le logiche del consumo o del profitto o sostituita, nel momento culminante, da basi registrate o da fuochi d'artificio "coreografati" su musiche pop-epiche hollywoodiane.

L'industria culturale si regge esattamente su questa logica del "sogno a-critico", ma oggi vive una fase paradossale: pur essendo teoricamente in crisi o "in forse" a causa della frammentazione digitale, sopravvive grazie a una inspiegabile inerzia che alimenta fenomeni di massa come Sanremo.

​In questo contesto, Sanremo non è solo un festival canoro, ma la celebrazione suprema di tutto ciò che abbiamo analizzato:

​Sanremo resiste perché è l'ultima "festa patronale" nazionale. Anche se svuotato di reale innovazione artistica, continua a trascinare l'anima collettiva per pura forza d'abitudine. È l'inerzia di un Paese che si riconosce nel rito per non dover affrontare il vuoto della propria identità culturale.

​La Fusione Totale tra Epica e Merce: Il festival incarna perfettamente l'illusione palpabile. Costruisce un'epica del quotidiano (i fiori, la scala, la competizione) che nobilita canzoni spesso costruite a tavolino per essere prodotti di consumo immediato. È l'industria culturale che mette in scena se stessa, ritualizzando il consumo come se fosse arte sacra.
​Il Trionfo del "Cinematografico" e del Visuale: Sanremo non si ascolta più, si guarda. La musica è diventata l'appendice di una narrazione visiva, di un "meme", di un abito o di una polemica social. La metamorfosi cinematografica di cui parlavamo qui trova il suo apice: la canzone è solo il pretesto per attivare l'ambiente favorevole al consumo di pubblicità e di visibilità mediatica.

​Nonostante la critica musicale cerchi di analizzare il fenomeno, la massa vi aderisce in modo pre-razionale.

Il Festival riempie quel vuoto di senso per una settimana, offrendo un'evasione che, come direbbe Adorno, non genera consapevolezza ma solo una "regressione dell'ascolto". Ci si lascia trascinare perché è più facile sognare quel sogno effimero che affrontare il silenzio della realtà.
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Sanremo è dunque il monumento a questa resistenza dell'industria, un'anomalia che dimostra come l'illusione, se ben confezionata, possa sopravvivere anche quando i suoi connotati originali sembrano anacronistici. È la dimostrazione che il potere della musica di "trascinare l'anima" è lo strumento più efficace per mantenere in vita un sistema che, per inerzia, continua a produrre sogni per un pubblico che ha troppa paura di svegliarsi.

Questa è la sintesi finale di una visione che non è solo estetica, ma una radiografia politica e sociale di un intero Paese. Fondendo ogni tassello del nostro discorso, emerge un affresco dove la musica cessa di essere arte per farsi meccanismo di controllo e distrazione.
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​La bellezza della musica è racchiusa in un sogno, un’illusione palpabile dei sensi che esalta, ritualizza e offre un senso fittizio alla realtà, ma questa stessa forza evocativa e questo afflato epico sono stati i motori di una sofisticata industria culturale (secondo la lezione di Adorno) che ne ha fatto l’arma più efficace per la cattura del consenso. Da quando la musica è stata resa riproducibile per le masse, essa ha smesso di essere un’esperienza di consapevolezza per diventare un mezzo capace di appagare e riempire un vuoto, favorendo un ambiente piacevole ma evanescente che agisce direttamente sul sistema nervoso, bypassando il filtro della ragione.

​Questa potenza di trascinamento, che spinge l'anima ad aderire al suono quasi ne facesse parte, ha impedito la nascita di una critica profonda, proprio mentre il destino del Paese veniva deciso nei corridoi del potere.

Durante l’apice dell’industria culturale tra il dopoguerra e gli anni '70 e '80, si è schierato un vero e proprio esercito di autori che ha agito come l’oppio migliore per le coscienze, mentre a tavolino venivano decise o estese le sorti del paese che oggi comprendiamo meglio nelle sue derive:
​Generali della melodia rassicurante come Claudio Villa, che ancoravano il popolo a un passato mitologico per non guardare al futuro;
​Architetti dell'intimismo come la ditta Mogol-Battisti, che hanno spinto milioni di individui a rifugiarsi nel privato proprio mentre la storia esigeva una presenza collettiva;
​Ambasciatori del "bel sentimento" come Gianni Morandi, o costruttori di un’epica del disimpegno come i Pooh e Riccardo Cocciante.

​L'apoteosi di questo processo si è realizzata negli stadi, trasformati in cattedrali del consumo emotivo da figure come Claudio Baglioni, Vasco Rossi e Renato Zero. Qui, l’illusione si è fatta fisica e tonante: l’epica dello stadio ha sostituito la coscienza civile con il brivido di un’appartenenza di massa, un’adunata oceanica che non prometteva nulla se non la ripetizione del rito, lasciando l'anima anestetizzata dal piacere di una catarsi vuota.
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Oggi, questa logica sopravvive per una inspiegabile inerzia che alimenta fenomeni come Sanremo, l’ultima festa patronale rimasta. Il Festival è l’eredità vivente di quella stagione: una liturgia curata da figure come ieri Pippo Baudo, che ha istituzionalizzato la canzone come ambiente favorevole alla conservazione del potere. L'esperienza cinematografica e visuale ha dato il colpo di grazia, trasformando la musica in un'appendice dell'immagine e rendendo ogni altra espressione , come la banda musicale delle feste di paese , un’appendice anacronistica, un residuo stanco di un sacro ormai museificato.

​Il quadro che ne deriva è quello di una nazione che ha naufragato in una musica che "da senso" senza mai chiederne il conto, un sogno effimero che ha permesso al potere di agire indisturbato mentre la folla, rapita dall'evocazione e dall'epica sintetica, continuava a cantare la propria stessa distrazione.

In questa parabola, l'artista nasce come scintilla libera, un'esplosione pura di "Essere" che cerca il contatto con l'ignoto e la verità del suono. È il momento del rito, dove il ritmo è ancora battito cardiaco e urgenza di vita. Tuttavia, non appena questa energia emerge, il mercato interviene per incanalarla, trasformando il fuoco in corrente elettrica per i suoi circuiti.

​Il processo di cattura è sottile: la libertà viene codificata in "genere", l'urgenza in "prodotto" e lo sciamano in "personaggio". Incanalato in queste logiche, il creativo smette di fluire selvaggiamente e inizia a scorrere entro binari prestabiliti e imposti, dove ogni deviazione è vista come un errore di sistema. Così, quella che era una danza liberatoria diventa una marcia forzata, e il creativo, illuso di aver trovato il successo, ha in realtà solo accettato la propria sottomissione all'IlluSogno e al sistema che lo ha "arricchito" e "reso famoso".

La musica rimane così una macchina del tempo e dello spirito che ricorda il passato ed eccita il presente, ma lo fa restando un’illusione evanescente, un’epica della superficie che dà l’illusione del senso mentre, di fatto, sottomette l'anima a un godimento passivo e programmato.